LOS ODIOSOS OCHO

LOS ODIOSO OCHO es la ultima película de TARANTINO, y como ya viene ocurriendo desde Grindhouse (2007) me vuelve a dejar con cierta decepción. Que está bien realizada, por supuesto, imágenes impactantes también, que sus actores fetiches dan lo mejor pues sí, y además de todo esto diálogos característicos del director, aquí en su  máxima expresión y la acción en su mínima revelación. La música a cargo de Ennio Morricone, en una partitura intrascendente que no pasara ni de lejos como algo destacable de este genio, desaprovechado penosamente, no sé si por obra del autor o por encargo del director.

  Resumiendo, se excede en el metraje, se excede en los diálogos  y cuando tiene las escenas de violencia también se excede, puede por lo tanto ser una película excesiva?, no diría eso exactamente, diría mas bien que es aburrida y eso en este director es imperdonable.

STAR WARS EL DESPERTAR DE LA FUERZA

Me gusto mucho LA GUERRA DE LA GALAXIAS y EL IMPERIO CONTRAATACA, me gusto mucho menos EL RETORNO DEL JEDI,  y me parecieron muy malas las tres siguientes, no había por donde cogerlas, ni la historia ni el casting ni siquiera la espectacularidad.

 Acaban de estrenar STAR WARS EL DESPERTAR DE LA FUERZA, que será la primera de otra trilogía y que es la continuación de donde lo dejamos en el Retorno del Jedi. No veo ninguna necesidad de volver a retomar  esta historia, ya quedo cerrada y bien cerrada y se conto todo lo que ya se podía contar sobre aquella Galaxia lejana. Solo veo un motivo mercantil de seguir explotando el fenómeno, que está bien como motivo, pero no esperes que surja nada especial de esto. Con esta última entrega he tenido las mismas sensaciones que con la pasada trilogía, que su tiempo ya se había pasado y que igual que no conecte con esas tampoco voy a ser capaz de conectar con esta nueva trilogía.

 No sé qué les parecerá a los muy fans, pero a mi sinceramente no me causo ninguna emoción ver a Han Solo ya más bien talludito o a una Princesa Leia totalmente acartonada y con menos expresión que un Minions. Además de asistir al momento cumbre como una repetición ya vista anteriormente no sé si como homenaje o simplemente como una autentica falta de imaginación.

  Espectacular sí que es claro, faltaría mas, una autentico derroche. En cuanto a personajes la chica protagonista es muy maja, su acompañante un tanto cargante, lo mejor el robot BB-8 que es realmente simpático y el malo es mejor que no se quite la careta. De Los demás ya he dado antes mi opinión.

 Los fans no faltaran a la cita, los que hemos visto las anteriores iremos también por la tradición y en busca de una emoción que un día tuvimos y que quisiéramos recuperar y que a falta de otras dos aun yo no he recuperado

UMBERTO D

UMBERTO D la dirigió Vittorio De Sica y es seguramente la mejor película del neorrealismo italiano. El neorrealismo nace después de la II GM y llega hasta los años 50 y consideraba que los filmes debían hacerse cerca de la superficie de la realidad.

Umberto D nos describe la vida cotidiana de Umberto, un anciano que vive con su perro Flaki en una cochambrosa habitación de una avara propietaria la cual le quiere echar por no pagar la renta. La película sigue a su protagonista mientras se enfrenta a la posibilidad de pueda perder su habitación y quedarse en la calle para mendigar. Gradualmente conocemos lo principal de su vida, donde vive, con quien se relaciona, sus dificultades. Todo lo que cuenta la película esta contado sin falso dramatismo, todo lo que ocurre es de una manera tranquila y lógica.

 Umberto D nos habla de la desesperación, de la soledad, de la dignidad y del orgullo.

 Umberto se encuentra desesperado y considera el suicidio como única salida, para ello tendrá que encontrar a alguien que se haga cargo de su perro Flaki y es su cariño por el perro lo que le salva, porque no puede ignorarlo y es su esperanza.

 Se nota en  varias secuencia la influencia del cine de Chaplin y de su mano maestra. De Sica realizo una joya de película, hay muy pocas películas en la historia del cine que desprendan la humanidad que ofrece Umberto D.

TRUMAN

TRUMAN cuenta con RICARDO DARIN y ya es motivo para ir al cine, pero además cuenta muy bien la historia de dos amigos que se encuentran después de estar sin verse durante mucho tiempo con el motivo de que uno de ellos tiene un cáncer terminal.  Lo cuenta de una manera bastante normal, sin dramatismos, sin recurrir al sentimentalismo barato, lo cuenta con mucha cotidianidad, todo es como muy natural y es un acierto. Decía JAVIER CAMARA que "el estaba en primero de Darin", no tiene el magnetismo del argentino pero si algo tiene Darin es que le obliga a estar magnifico porque si no la película sostenida en ellos dos se vendría abajo y la verdad es que le sostiene el tipo y la mirada dando lo mejor de sí mismo y construyendo un papel magníficamente. Una película recomendable.

LA CUMBRE ESCARLATA

No se le puede discutir a GUILLERMO DEL TORO que en LA CUMBRE ESCARLATA ha realizado un alarde de efectos técnicos, lo cual consigue que estemos ante una película preciosa visualmente, bonitos decorados, bonita música, preciosa fotografía, todo esto consigue una atmosfera romántica y gótica que nos recuerda a películas como "Rebeca", "Cumbres borrascosas" o Jane Eyre", porque no esperes que "La cumbre escarlata" es una película de terror, para nada, es una película desatadamente romántica con una intriga de fondo, que consigue un toque a lo Hitchcock, sobre todo si copia escenas como el caso de la escena de la llave de la película "Encadenados". A mi particularmente me aburrió un tanto, llega un momento en que estas deseando que aquello se acabe, porque además transita por terrenos que ya conocemos y hemos visitado.

BLACK MAS

Si esta película la pilla SCORSESE o COPPOLA hubiera podido ser una gran película, aquí en manos de Scott Cooper se queda en una película correcta, entretenida si cabe pero le falta nervio y energía, se queda en algo insustancial. Johnny Deep está irreconocible debajo de kilos de maquillaje, esto le hace que vaya un poco acartonado durante todo el metraje, aunque eso si la mirada con esas lentillas acojona un rato. No te va a costar mucho sobreesfuerzo verla, llegaras al final y pasaras a otra cosa en cuanto acabe.

NARCOS LA SERIE

NARCOS es una serie producida por NETFLIK, consta de ocho episodios y trata sobre los orígenes del narco en Colombia allá por los años ochenta y principios de los noventa.

 La figura principal es la de PABLO ESCOBAR GAVIRIA, el narcotraficante más importante de aquellos sangrientos años. Con el lema de "plata o plomo" impuso su imperio de terror en Colombia a la vez que acumulaba una inmensa fortuna con el trafico de cocaína.

  El actor brasileño WARNER MOURA, ya dejo su impronta de grandísimo actor como protagonista de la magistral "Tropa de Elite" del director José Padilha, aquí da vida al famoso narcotraficante y lo hace de una manera asombrosa y convincente para transmitir la personalidad de un personaje con sus contradicciones y lo hace de una manera sublime. José Padilha aquí ejerce de productor y de dirigir al menos el primer capítulo.

 NARCOS es una serie soberbia y apasionante, la cual ofrece un realismo y una información sorprendente sobre ese mundo, con una carga dramática e histórica que te atrapa y no puedes dejarlo hasta el final. No es un biopic de Escobar, la inteligencia de esta serie es no tratar sobre los jugadores si no sobre la partida, y lo hace desde distintos puntos de vista de los que estuvieron implicados en aquella guerra. Sin maniqueísmos, sin topicazos, ni todos eras buenos ni todos eran monstruos, todos sobrepasaron las líneas rojas, los narcos, el ejercito, los americanos, la policía, no se trataba de una guerra de buenos y malos, era una guerra por el dinero y sobre todo por el poder.

Es una serie electrizante y adictiva, donde te cuenta de forma perfecta aquella guerra que sembró de cadáveres las calles de Colombia.

No tienes porque tener curiosidad sobre el mundo del narcotráfico, que también, es una serie que va mas allá, porque trata también sobre el poder, la lealtad, la traición, la violencia,  esta espléndidamente realizada, los actores están formidables, la ambientación insuperable, de hecho esta realizada en las localizaciones donde ocurrieron los hechos.

 No debes perdértela, no creo que se haga nada tan apasionante sobre los orígenes del narcotráfico y de la guerra que desataron.

*IMDB le da una puntuación de 9.1

Filmaffinity 8.2

Rotten tomatoes critica 76 y audiencia 95

THE MISFITS (VIDAS REBELDES)

THE MISFITS (LOS INADAPTADOS) es un titulo que describe perfectamente lo que es esta película, mucho mejor que el titulo que pusieron en España "Vidas Rebeldes".

 La dirigió JOHN HUSTON en 1961 basado en un relato de ARTHUR MILLER, el cual también se encargo del guion.

Huston reunion a Clark Gable, Marilyn Monroe, Montgomery Clifft, Eli Wallach  y Thelma Ritter. Para Gable y Marilyn fueron sus últimas películas, poco tiempo después nos dejarían y emprendieron el viaje hacia la eternidad.

  Como bien dice su título original, es una película sobre inadaptados, sobre unas almas perdidas y corazones solitarios a los cuales el tiempo les ha apartado, porque es de eso sobre lo que trata de cuando los tiempos cambian "Yo sigo haciendo lo mismo, son los demás los que han cambiado" dice Gay (Gable) a los cuales solo les queda cambiar su vida y adaptarse a los nuevos tiempos "Este mundo y yo siempre hemos sido extraños el uno para el otro "o cuando Gay dice "-Maldito sean todos, ya no es lo mismo. Lo han manchado de sangre, ya no hay nada más que mierda y dinero, como en todas partes. Aquí ya no hay más que fantasías a las que echar el lazo"

Un canto a la libertad "sigo cazando caballos para poder seguir siendo libre" porque ellos son libres, su privilegio es no trabajar para nadie, su casa es todo el campo y su vida es errante, aunque tengan el pensamiento de establecerse, no lo consiguen porque una fuerza interior les hace seguir errando.

  Miradas cansadas y dignidad ante el fracaso, la libertad de decidir qué camino toma tu vida, el amor como motor de redención y de empezar de nuevo.

 CLARK GABLE colosal y siendo lo que ha sido toda su vida una estrella que radia sentimientos en cada mirada y en cada gesto. MARILYN MONROE demostrando porque es y ha sido la diosa, porque era distinta a todas y a todos, porque era única e irrepetible.

No hay que perderse esta película, es poesía es un homenaje a esas personas que el tiempo les atropello, que un día tuvieron su gloria y ahora les queda la dignidad y la mirada cansada, es un canto a la vida.

EL HOMBRE QUE MATO A LIBERTY VALANCE

EL HOMBRE QUE MATO A LIBETY VALANCE es un western de John Ford que realizo en el año 1962, su carrera llegaba a su fin, después de este solo rodaría un western mas "El Gran Combate".

El hombre que mato a Liberty Valance se desarrolla en una época del viejo oeste donde empezaba a imperar la ley sobre los revólveres y la civilización atreves de abogados empeñados en imponer la ley.

Una película sobre el honor, de desatado romanticismo y de como la leyenda perdura frente a la realidad. 

Película colosal y memorable, uno de los mejores western de la historia que ya es leyenda y ya sabéis lo que se dice de las leyendas.

RETORNO AL PASADO

RETORNO AL PASADO es una película magistral y una de las cumbres del cine negro. Todo en ella es sobresaliente, los actores con ROBERT MITCHUM a la cabeza y Jane Greer construyendo una femme fatal sublime, el guion y la dirección a cargo de un maestro como fue JACQUES TOURNEUR.

  Retorno al pasado es de esas películas que a partir de ella nada volvió a ser lo mismo, creo una forma de contar la historia, un retrato de personajes que se repetiría en adelante en el "noir".

CON FALDAS Y A LO LOCO

CON FALDAS Y A LO LOCO es una gozada y un delirio de película y quizás la mejor comedia que se haya hecho nunca. Realizada por uno de los más grandiosos directores de cine BILLY WILDER en el año 1959 y para la ocasión conto con un reparto monumental JACK LEMMON, TONY CURTIS, Geroge Raft, Pat O'Brien y una maravilla del arte y de la naturaleza MARILYN MONROE "Mira eso - le dice Jack Lemmon a Tony Curtis mientras la miran cariñosamente-. Mira como se mueve. Parece gelatina montada sobre muelles. Como si tuviera un motor interno o algo parecido. Es otro sexo totalmente distinto". Marilyn les roba todo, cuando ella está en pantalla fijarse en alguien mas es una acto de voluntad

Una comedia chispeante, con momentos antológicos y frases memorables y un guion de inspiración divina. divertida hasta el regocijo con un argumento alocado en estado puro. Es una película que te alegra la vida, porque Billy Wilder y Marilyn Monroe vinieron a este mundo para hacernos la vida más feliz y doy fe de ello que en esta obra maestra absoluta lo consiguen, porque eso es lo que consigue CON FALDAS Y A LO LOCO hacerte feliz. Tendría que poner fin con la frase con la que acaba la película, pero no lo voy hacer porque si la has visto ya sabes cual es y si no la has visto merece la pena que la oigas por primera vez.

CAPITANES INTREPIDOS

CAPITANES INTREPIDOS es una película emocionante y conmovedora. La realizo Victor Fleming en el año 1937 basada en una novela de Ruyard Kipling.

 Un jovencísimo Spencer Tracy da vida al pescador Manuel y Freddy Bartholomew da vida al niño Harvey Cheyne.

Capitanes intrépidos es un canto a la vida, a la niñez, a la amistad, una película sobre la iniciación a la vida

 Si eres capaz de resistir sin emocionarte CAPITANES INTREPIDOS es que estas muerto o tienes un serio problema, porque si algo tiene esta maravillosa película es emoción y sentimientos, una película para conmoverse, para disfrutarla, para sentirla, es una obra maestra indiscutible.

CONAN EL BARBARO

Conan fue un personaje creado por el escritor ROBERT E. HOWARD, pero fueron los comic lo que popularizo a este personaje, maestros como Barry W. Smith, John Buscema, Roy Thomas o Gil Kane lo elevaron a arte.

 Cuando parecía que había cierto cansancio JOHN MILIUS realizo en el año 1982  CONAN EL BARBARO y reactivo una autentica fiebre por el personaje, se reeditaron los comic y se crearon nuevas tiras y la película fue un autentico éxito.

 Cuenta Peter Biskind en su libro "Moteros tranquilos, toros salvajes" que toda aquella generación de directores como Scorsese, Spielberg, Lucas, Bogdanovich, Coppola, De Palma o Friedkin, que tenían a John Milius como el gran genio de esa generación, más que como director como guionista. Su filmografía como director no es muy extensa, antes de Conan había dirigido tres películas Dillinger, El viento y el león y El Gran miércoles, buenas películas pero sin más.

CONAN es una excelente película de aventuras y una magnifica adaptación de las historias de Conan que ya habíamos visualizado a traves de los comic. No era fácil adaptarlo al cine, por la complejidad visual que conlleva historias que mezclan fantasía, luchas, erotismo, batallas y monstruos. Milius consiguió una adaptación de todo ese mundo de una manera sobresaliente y para ello conto con la figura insustituible de ARNOLD SCHWARZENEGGER el cual paso de exhibir sus músculos a trabajar en una gran producción, este papel junto al de Terminator serán los que le convertirían en uno de los actores mas populares del cine.

 Otro de los grandes aciertos fue la partitura de BASIL POLEDOURIS, el cual le dio a la película una de las mejores músicas que jamás se han escrito para una película.

 Dos años después Richard Fleischer, excelente director de cine, llevaría a las pantallas Conan El Destructor, bien recreada pero sin el acierto de su predecesora. 

ARDE MISSISSIPPI

Cuando se estreno ARDE MISSISSIPPI en 1988 tuvo buenas críticas pero un sector la tildo de reaccionaria por el hecho de que acaba imponiéndose los métodos poco ortodoxos del agente que hacia Gene Hackman frente a las buena praxis que representaba William Dafoe para esclarecer el asesinato de tres activistas por los derechos civiles que ocurrió en el año 1964 en estado de Mississippi a manos de miembros del KKK. Creo que en ese contraste entre los dos protagonistas es donde esta lo más  interesante de la película, uno con sus métodos académicos ajustándose a las normas, el otro es un hombre del sur, ha sido sheriff, conoce a la gente con la que está tratando, esperando su momento, sus métodos son más expeditivos. No creo que para nada fuera una película reaccionaria, porque en verdad esta denunciando una realidad social de aquellos años y que todavía en alguna medida prevalecen.

 Con una reconstrucción de la época perfectamente conseguido y con unos actores formidables y un buen ritmo en la trama ARDE MISSISSIPPI es una película excelente, que mantiene la tensión como thriller y es además una muy interesante propuesta como cine de denuncia.

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR

La primera vez que vi EL HOMBRE QUE PUDO REINAR era muy joven y salí estupefacto, no me gusto absolutamente nada, salí aburrido, aquello no era una película de aventuras al uso y por si fuera poco aquello acaba fatal.

 Años después la volví a ver y esta vez me dejo alucinado, no podía ser de otra manera porque EL HOMBRE QUE PUDO REINAR es una película grandiosa y el error esta en verla solo como una película de aventuras, porque es mucho más que eso, es sobre la amistad, sobre la lealtad, sobre los sueños y las ilusiones, sobre el espíritu aventurero y sobre la dignidad.

 John Huston nuevamente nos cuenta la historia de dos soñadores que emprenden una aventura en busca de riquezas y gloria,  pero que después de tenerla la pierden porque ni son reyes ni son dioses y lo único que les va a quedar es la dignidad y su lealtad.

 Película con bellos paisajes y una interpretación de Michael Caine y Sean Connery deslumbrante. Con una acción muy contenida y escenas largas, no es una película trepidante ni de gran jolgorio mas bien apela a las emociones y a los sentimientos y consigue que el espectador se conmueva con las aventuras de estos dos rufianes, eso sí ingleses, que como ellos mismo dicen es lo más parecido a dios.

  Basada en un relato corto de Kipling, Huston la lleva a su terreno para describirnos unos personajes perdedores pero que acaban siempre con su dignidad intacta y una lealtad inquebrantable. Obra maestra.

RIO CONCHOS

RIO CONCHOS es un western feroz y violento. Realizado por Gordon Douglas en el año 1964, poco tiempo después de los grandes clásicos y antes de que irrumpieran los Spaghetti western y los western crepusculares.

  Un grupo de hombres debe recuperar unas armas robadas por un antiguo general confederado. Hombres duros y rabiosos, a los cuales mejor no darles la espalda. Se muestran dispuestos a matar y a morir. Muy bien interpretado por Richard Boone al cual el papel le va ni que pintado, un Jim Brown debutante y un Tony Fraciosa alejado de sus papeles de comedia.

Destacar la música maravillosa a cargo de Jerry Goldsmith y la poderosa realización a cargo de un habitual del genero Gordon Douglas el cual filmo su mejor western y uno de los grandes western de aquella época en que el género languidecía y que Rio Conchos pudo revitalizar.

STEVE McQUEEN

STEVE McQUEEN ha sido de los actores mas carismáticos que ha dado el cine, con una presencia arrolladora, pero no solo es eso, es que era una actor monumental,  de esos que imponen su presencia por encima de la propia película. Debuto a finales de los cincuenta e hizo su ultima aparición en Cazador a sueldo en el año 1980, pero su verdadero epitafio fue su anterior película TOM HORN un western crepuscular donde daba vida a un rastreador al servicio de los ganaderos para que de alguna manera limpie el territorio de bandidos. Un personaje fuera de su tiempo, absolutamente desplazado y ya fuera de los nuevos tiempos, era un poco lo que ya le ocurría a McQUEEN enfermo y ya decadente su tiempo ya había pasado, poco tiempo después moría de cáncer, tenía 50 años.

 En su haber innumerables buenas películas: Los siete magníficos, Bullit, La Huida, Junior Bonner, La gran evasión, El rey del juego, Papillon, las 24 horas de LeMans, película que afronto con su productora y que la hizo por su pasión por las carreras de coches, fue un fracaso absoluto, aunque a mi si tengo que decir la verdad me gusto, tenía cierta melancolía y un aroma a nostalgia, a personajes derrotados.

 Decían de McQueen que era muy "cool", si es verdad, pero a mí siempre me pareció que en su mirada tenía mucho de melancolía y algo de tristeza y sus personajes siempre daban la impresión de que estaban al borde salirle todo mal, pero que lo seguiría intentando,  nunca fue de muchos gestos ni de sobreactuación, todo lo decía con esa mirada o con esa sonrisa, algo sibilino, sin que te dieras casi cuenta de que ya te había conquistado.

FAT CITY

FAT CITY es el reverso amargo del sueño americano. Película sobre la derrota y los golpes que da la vida.

 Fat City es una de las películas mas amargas que he visto nunca JOHN HUSTON la dirigió en el año 1972 en una época en el que sabía que ya le quedaban pocas películas y no quería dejar esto del cine sin hacer un filme sobre el boxeo que el adoraba, pero no que tratara sobre los campeones, sino sobre esos púgiles derrotados, sin otra cosa en la vida que el cuadrilátero, porque esa ahí donde encuentran su sitio en la vida, fuera de eso son desplazados. Fat City la realizo 11 años después de otra de sus más tristes películas VIDAS REBELDES. Tres años después se saco una de sus grandes obras maestras EL HOMBRE QUE PUDO REINAR.

 Ambientada en el mundo del boxeo, aquí no encontramos héroes, solo perdedores, quizás mejor definirlos como derrotados. Aquí el boxeo funciona como metáfora de los golpes de la vida. La historia de estos derrotados conmueve hasta lo más profundo, porque además no hay atajos y no hay salida, no hay redención ni nada ni nadie les espera al final del camino. Fat City empieza en el ahora de estos personajes,  solo cuenta el momento, parece que no hay pasado y termina con el presente sin saber si hay futuro.

 Película desgarradora, conmovedora, triste, te deja un poso de amargura que no te lo quitas hasta mucho tiempo después.

JOHN WAYNE

Marion Morrison era el verdadero nombre de JOHN WAYNE, no sé si hubiera sido lo mismo porque uno dice John Wayne y es como decir cine o decir América, porque John Wayne es la quintaesencia de lo americano. No hay ningún actor, que digo, ningún personaje, bueno tal vez Ronal Regan pero era muy mal actor, que haya representado mejor lo que es EEUU.

Antes de darse a conocerse con La diligencia de John Ford allá por el año 1939, Wayne venia de dejarse la piel en películas de vaqueros de serie z y esto por ponerle una letra porque eran tan malas que no habría letra en el abecedario para definirlas.

 Pero su historia cambio, bueno cambio su historia y la del cine cuando conoció a John Ford e hicieron LA DILIGENCIA y se convirtió en el alter ego de nada menos que el más grande director de la historia JOHN FORD, a partir de esta película vendrían otras muchas, clásicos todas y obras maestras muchas.

John Wayne se convirtió en la imagen del western, tanto como decir en la imagen de América, pero es más que eso, es un genero propio, sus películas no se parecen a ninguna otra, impuso su estilo, como andar, como sacar el revólver, como sonreír, como dar un puñetazo o como besar a la chica, eso sí de forma algo ruda, pero era su estilo, no puedo decir que impusiera un estilo de llorar porque lo suyo nunca fue precisamente llorar, al menos yo no lo recuerdo.

Howard Hawks tambien lo eligió como su alter ego, por lo tanto tenemos a dos de los directores más gigantesco que han existido eligiéndolo como su actor fetiche, el les devolvió sus mejores trabajos. No puedo imaginarme el cine sin JOHN WAYNE.

LUNA DE PAPEL

LUNA DE PAPEL dirigida por PETER BOGDANOVICH en el año 1973 con Ryan O'Neal y Tatum O'Neal en los papeles principales.

 Corren el año 1935 en plena Gran Depresión un estafador de poca monta debe hacerse cargo de la hija de una antigua amante, lo que en principio iba a ser un viaje corto para llevarla a casa de la tía de la niña, poco a poco el viaje se va haciendo más largo ya que la niña aprende los trucos y le ayuda en los pequeños timos.

 Película conmovedora pero nada de cursi, divertida de principio a fin pero sin caer en lo fácil.

 Ryan O'Neil esta fantastico en su papel de timador de poca monta pero es su hija Tatum O'Neil la que se hace dueña del filme, con una actuación sublime que la llevaría a ganar el Òscar.

 La ambientación en magnifica, dando el aspecto de película clásica solo que rodada en los 70. Peter Bogdanovich venía de rodar "Last Picture Show" y "Que me pasa Doctor?", con las cuales obtuvo un preciado éxito, cosa que repetiría con Luna de Papel y aunque ha seguido haciendo películas nunca volvió a repetir el éxito que obtuvo en aquellos años. Director con muchísima clase es un contador de historias formidable.

 LUNA DE PAPEL es una road movie maravillosa y un clásico que no hay que perderse.

FRENCH CONNECTION

FRENCH CONNECTION fue dirigida por William Friedkin en el año 1971, basada en el libro de Robin Moore el cual contaba la historia de los policías Eddie Egan y Sonny Grosso durante el caso que les llevo a descubrir el mayor alijo de heroína incautada hasta la fecha.

 Los actores que encarnaron a los susodichos policías fueron GENE HACKMAN como "Doyle Popeye" y Roy Scheider como su compañero "Cloudy Russo", el papel del padrino marsellés lo haría Fernando Rey.

  Firedkin utilizo su experiencia en documentales para dar a la película un tono documental que conseguiría una sensación de realidad absoluta.

Doyle Popeye es un policía alborotador, duro y obsesivo, para el ser policía es lo único que tiene en la vida, no tiene otra vida, no tiene familia, amigos y lo suyo es una cruzada contra traficantes y malhechores. Su compañero es Cloudy, diferente a él, es su contrapunto, y su lealtad por encima de todo, pararía una bala por su compañero.

Toda la acción se desarrolla en las calles de New York, convirtiéndose estas en un elemento fundamental del filme. Owen Roizman fue el encargado de la fotografía y de darle ese toque realista a las calles. Cuidada hasta el mas mínimo detalle, la labor de la policía la vemos en toda su dimensión: las esperas en el coche, el frio en las vigilancias, las persecuciones a pie y la gran persecución de la película y una de las más originales y mejores percusiones esta vez un coche persiguiendo por las calles a un tren, absolutamente sublime.

French Connection fue un hito, hasta la fecha no se había realizado una película policiaca con ese cariz de realidad. A partir de esta todo cambio y su influencia ha sido fundamental para el desarrollo del thriller. Fue un éxito total, se llevo cinco Òscar, a la mejor película, al mejor actor un imponente Gene Hackman y a un casi debutante Billy Friedkin el cual dos años más tarde haría otro de los grandes hitos del cine El Exorcista el cual le llevo a ser el director mas importante en aquellos años.

 Película inconmensurable una autentica descarga de adrenalina y un gozoso frenesí.

  

TORO SALVAJE

Cuando hablamos de TORO SALVAJE hablamos del Hamlet de Shakespeare, hablamos de La Meninas de Velazquez o de la 5ª Sinfonia de Beethoven, hablamos de obras de arte consideradas patrimonio de la humanidad y Toro Salvaje lo es. Si Scorsese no hubiera realizado mas películas seria considerado un genio y un artistas, pero además de esta es que tiene otras muchas obras maestras.

 Es una película brutal, con unas imágenes sublimes, un guion soberbio  a cargo de Paul Schrader, unos actores magistrales. Toro Salvaje es el retrato del campeón de boxeo Jack La Motta, con sus victorias y sus derrotas, tanto unas como otras a golpes y sus derrotas son mas allá del cuadrilátero, son básicamente en la vida donde le sirven como confesión, penitencia y absolución, porque como ocurre en otros personajes de Scorsese aquí también retrata la dificultad de su personaje para relacionarse con las mujeres, porque a LaMotta lo que le mueve es su obsesión celosa por su esposa.

 TORO SALVAJE es el más doloroso y desgarrador retrato cinematográfico de los celos. Es la mejor película que he visto sobre la baja estima, la incompetencia sexual y el miedo que lleva algunos hombres a abusar de las mujeres. El boxeo es la palestra donde se desarrolla su castigo y expiación.

Jack LaMotta nunca fue derrotado por KO, nunca permitio que el dolor le detuviera.

DRACULA de TERENCE FISHER

DRACULA de TERENCE FISHER para mi es la mejor adaptación de la novela de Bram Stocker de todas cuantas se han hecho y deben ser cientos. Ese ambiente gótico que le daba a sus películas la HAMMER fue el más conseguido que se ha realizado del Conde Vampiro. Y es que se dieron algunas circunstancias para que eso se consiguiera. Primero el director TERENCE FISHER el mejor director de la casa Hammer y uno de los más grandes del cine de terror, por otro lado el actor que encarno al Conde Christopher Lee el mejor Dracula de cuanto ha habido y habrá, sencillamente magistral y dándole replica Peter Cushing un actor inconmensurable.

 La propia Hammer ante el éxito obtenido hizo la secuela "Dracula, Príncipe  de las tinieblas", mismos actores, mismo director y resultado a la par del original.

Dracula de Terence Fisher es un clásico del terror, una película sensacional.

ROBERT DE NIRO

Olvidemos por un momento lo que llevamos de Siglo XXI y hagamos memoria de cuando ROBERT DE NIRO era un actor colosal, eso acabo en el año 1999 cuando se despidió con "Una terapia peligrosa", luego llego el efecto 2000 y se acabo, misteriosamente y sin que sepamos el porqué Robert De Niro desapareció y su lugar lo tomo alguien que no tiene nada que ver con aquel actor que hizo "El Padrino II, Taxi Driver, Toro Salvaje, Casino, Heat, Ronin, Una historia del Bronx, Uno de los nuestros, Los intocables, Erase una vez en America, El Cazador, Novecento".

 Cuando veo estos títulos me dan ganas de llorar, por un lado de emoción ante ese actor que me hizo amar el cine como pocos, por otro lado lloro por un actor que se perdió y que quizás vuelva en el 2017 parece que para ese año vuelve con Martin Scorsese y al lado de Al Pacino, Harvey Keitel y Joe Pesci en una película que se titulara The Irishman.

 Es verdad que compaginaba grandes títulos con otros infames, no se merecen ni recordarlo, puede que sea un actor que no le importe mucho su filmografía pero olvidar estos últimos 15 años donde solo ha hecho engendros y arrastrar su nombre,  solo recordable la película que dirigió en el año 2006 "El buen pastor", por lo demás nada que se pueda nombrar, quedaros con De Niro cuando era un referente, cuando era el más grande del momento, cuando hacia películas que son paginas de oro en el cine.

LOS PROFESIONALES

Estoy enamorado de LOS PROFESIONALES, me parece una película sublime y colosal, una cima del cine. Realizada de una manera asombrosa, interpretada de forma magistral y con una historia y un guion sencillamente grandioso.

 Cine en su máxima expresión, poderosa película, obra maestra indiscutible. Película para verla y volver a verla y siempre porque destila cine, sucumbes ante su magnitud, de esas película que cuando la acabas de ver ya estas pensado en la próxima vez que la veras.

"Nos quedamos porque nos enamoramos. Nos vamos porque nos desencantamos. Regresamos porque nos sentimos solos. Morimos porque es inevitable.

   Son ustedes unos hijos de puta. Sí, señor, pero lo nuestro es de nacimiento y, sin embargo, usted se ha hecho a sí mismo"

"Bill Dolworth: Nada menos que cien mil dólares por una esposa. debe de ser toda una mujer.
Fardan: Será una mujer de esas que convierte a algunos niños en hombres y a algunos hombres en niños.

Hans Ehrengard: ¿ Y qué hacían unos norteamericanos en una revolución mejicana ?
Bill Dolworth: Tal vez sólo haya una revolución, desde siempre. La de los buenos contra los malos. La pregunta es... ¿quienes son los buenos ?

Jesús Raza: Morir por dinero es una estupidez.
Bill Dolworth: Y morir por una mujer más aún. Sea la mujer que sea, incluso ella.
Jesús Raza: ¿ Cuánto tiempo vas a retenernos ?
Bill Dolworth: Un par de horas y lo que pase aquí ya no importará. Ella volverá a ser la señora Grant.
Jesús Raza: Pero eso no cambiará nada. Lo que importa es que ella es mi mujer antes, ahora, y siempre.
Bill Dolworth: Nada es para siempre. Excepto la muerte. Pregúntale a Fierro, a Francisco, a todos aquellos del cementerio de los hombres sin nombre.
Jesús Raza: Todos ellos murieron por un ideal.
Bill Dolworth: ¿La revolución?... cuando el tiroteo termina, los muertos se entierran, y los políticos entran en acción. Y el resultado es siempre igual, una causa perdida.
Jesús Raza: Así que tú quieres la perfección o nada. Ohhh, eres demasiado romántico amigo. La revolución es como la más bella historia de amor. Al principio, ella es una diosa, una causa pura. Pero todos los amores tienen un terrible enemigo."

LOS SEÑORES DEL ACERO (FLESH + BLOOD)

LOS SEÑORES DEL ACERO no es una obra maestra incluso puede que haya gente que la pueda hasta repudiar, yo sin embargo la tengo en mi memoria porque me parece una autentica gozada. El titulo en ingles hace mas justicia a lo que es FLESH AND BLOOD, porque si hay algo que tiene esta película es carne y sangre, carne en forma de sexo y erotismo, pero no introducido como un reclamo comercial, sino como algo esencial, como un elemento de  manipulación y de supervivencia. La sangre corre a borbotones en una violencia en un mundo violento, porque la acción no se desarrolla en el Medievo como puede parecer, si no en el Renacimiento allá por el Siglo XVI en Europa, tiempos de luchas y violencia y una descomposición del feudalismo. En esta época es donde aparece Martin (Rutger Hauer) el cual lidera a una banda de mercenarios que una vez que son traicionados por su señor feudal se dedican al pillaje y la venganza por todo el territorio. En esas están cuando secuestran a la princesa Agnes (Jennifer Jason Leigh), la cual para sobrevivir debe conquistar con sus artes de seducción al rudo Martin.

 Todo un manual de la época bajo la mirada de Paul Verhoven, por lo tanto podréis encontrar: "religiosos matando a herejes a espadazos, infecciones de peste bubónica, mercenarios sin compasión, violación de vírgenes, escena romántica junto a un árbol con dos ahorcados en pleno estado de descomposición"

 Dicen que tuvo que aflojar un poco el guion, por aquello de que la pudieran estrenar, aun así casi todo el metraje se lo lleva la violencia y el sexo, lo dicho una gozada, impecablemente realizada, un deleite para los sentidos, incluido la música a cargo de BASIL POLEDOURIS, el cual compuso una obra maestra que contribuye y de manera esencial al disfrute de este filme.

 Una gozada de "carne y sangre", un deleite y un regocijo de sensaciones y disfrute.

BURT LANCASTER

BURT LANCASTER ha sido uno de los actores más grandiosos de la historia del cine. Pocos actores tiene en su haber una filmografía como la suya. Aunque se le puede identificar como un actor de películas de aventuras la realidad es que hizo todos los géneros. Debuto en el año 1946 en una obra maestra FORAJIDOS de Robert Siodmak al lado de Ava Gardner, le siguieron FUERZA BRUTA en 1947 y en 1949 la obra maestra EL ABRAZO DE LA MUERTE otra vez a las órdenes de Siodmak. Fue en la década de los 50 donde se forjo como actor y estrella absoluta, en películas como: EL HALCON Y LA FLECHA, EL TEMIBLE BURLON, DE AQUI A LA ETERNIDAD, APACHE, VERACRUZ, TRAPECIO, DUELO DE TITANES, CHANTAJE EN BROADWAY. En 1960 consiguió su único Òscar por EL FUEGO Y LA PALABRA de Richard Brooks, en esta década trabajo en LOS QUE NO PERDONAN, EL HOMBRE DE ALCATRAZ, EL TREN, LOS PROFESIONALES o EL GATOPARDO. Una de sus últimas películas fue ATLANTIC CITY 1980 a las ordenes de Louis Malle.

  Fue un actor monumental, sin Burt Lancaster el cine no hubiera sido lo que es, el contribuyo a su grandeza.

LA VENGANZA DE ULZANA

LA VENGANZA DE ULZANA es un western soberbio y uno de los mejores en el que se han tratado a los Apaches, lejos de aquellos western en los que eran una caricatura.

  Dirigido por ROBERT ALDRICH en el año 1972 entre dos de sus obras maestras La Banda de los Grissom 1971 y El Emperador del Norte 1973. Director fabuloso sus películas siempre tenían una fuerza y una energía difícil de comparar.

 La venganza de Ulzana es un filme pausado, reflexivo, nada sucede al azahar, el tiempo está perfectamente medido. La ambientación es sobresaliente y los actores con Burt Lancaster a la cabeza están magníficos. Todo esto le dan a la película un aire realista y de veracidad que hasta entonces era difícil de ver.

Como curiosidad Ulzana fue un apache que existió realmente, dicen que fue un guerrero de primera clase y fue explorador militar, fue uno de los rastreadores que dieron caza a Nana en 1981. 

EASY RIDER

EASY RIDER es una mítica película que dirigió Dennis Hopper en el año 1969, también hizo el guion junto a Peter Fonda, el cual también le acompaño en el reparto. Realizada en plena época hippy, con la Guerra de Vietnam de fondo y la música de The Band, Stepenwolf, Jimmy Hendrix como banda sonora de una época. A nada de eso se podía abstraer Hopper cuando rodo Easy Rider.

 Con un presupuesto mínimo contaba la historia de dos moteros que deciden atravesar el sur de EEUU sin otro motivo que rodar. Rompió moldes, hasta ese momento nunca se había visto una película así, pocos diálogos, imágenes constantes rodando por las carreteras con la sola compañía de canciones de la época, por la estética nueva y rompedora de los motoristas, por mostrar sin tapujos el consumo de drogas sin criminalizar a nadie y porque daba a que cada cual pudiera dar la interpretación que quisiera, desde buscar la libertad, el destino o simplemente un espíritu de aventura.

 Easy Rider nunca se hubiera podido hacer en otra época, es producto de aquella América de contrastes, por un lado gente que quería vivir su vida y por otra parte una sociedad violenta que no toleraba ese espíritu de libertad.

 No es ninguna obra maestra, tampoco lo pretendía, tan solo nos descubrió que había otra forma de vivir la vida.

CARRETERA ASFALTADA EN DOS DIRECCIONES

CARRETERA ASFALTADA EN DOS DIRECCIONES dirigida por Monte Hellman es una película emblemática de lo que llamamos “road movies”, donde la carretera, el viaje, el destino son la esencia misma del film.

  La historia es sencilla, dos tipos (James Taylor (cantante y compositor) y Dennis Wilson(batería de Beach Boys)) recorren las carreteras de EEUU participando en carreras ilegales con su Chevy del 55, sin una ruta fija, sin un destino claro, solo donde les lleva el momento. No sabemos nada de ellos, ni siquiera sus nombres. Dos encuentros les lleva a cambiar sus planes, uno con la chica (Laurie Bird) y otro con un conductor (Warren Oates) que conduce un Pontiac GTO, con el que harán una apuesta que les llevara a recorrer medio país para saber quien llega antes a Washington.

   Esa repetición de carretera, gasolineras, bares, asfalto y paisaje te va atrapando hasta quedar hechizado, no importa que no encuentres los motivos que llevan a los personajes hacer lo que hacen, es tan solo una huida constante, estar siempre en movimiento en busca de libertad.

ROJO UNO DIVISION DE CHOQUE (LA NOVELA)

UNO ROJO, DIVISION DE CHOQUE es conococida por ser el titulo de la película del mismo nombre dirigida por SAM FULLER, basada en la novela BIG RED ONE (Uno rojo, división de choque) escrita por el propio Sam Fuller de su experiencia como combatiente en la II Guerra Mundial.

  SAM FULLER fue un director curtido en muchas películas y en mil batallas,  que supo infundir a sus películas una fiereza como pocas veces se ha visto en otros directores. Su nombre se escribe con mayúsculas en la historia del cine.

 Se ha publicado entre nosotros su novela UNO ROJO, DIVISION DE CHOQUE (BIG RED ONE) que el mismo llevo a la pantalla.  La historia es la de un sargento veterano en el combate y cuatro soldados jóvenes de su escuadrón. Estos van sorteando a la muerte en los distintos escenarios bélicos durante la II GM. Desde el norte de África hasta Alemania, pasando por Sicilia, Inglaterra, Francia y Bélgica. Van pasando por distintas batallas, escaramuzas y momentos delirantes y brutales, estos cinco hombres van sobreviviendo mientras el horror, la muerte, la tragedia pasan a su alrededor y la camaradería y la hermandad se va estableciendo entre estos cinco hombres mientras que un aura de inmortalidad se va tejiendo a su alrededor. Son personajes ficticios,  una amalgama de personajes creados por Fuller, pero los lugares, las batallas, las fechas y la muerte son datos fehacientes.

  El objetivo de esta novela bélica es que sientas la guerra. Hay mucha bibliografía sobre la guerra, pero siempre será historia no te hacen vivir lo que era la guerra desde dentro, BIG RED ONE lo consigue, penetras y sientes la guerra, sientes el miedo, el valor, la camaradería, el horror, la muerte, el sudor, las balas, el barro, el frio, el calor y el polvo. SAM FULLER hace que mires a la guerra a los ojos.

  Y si puedes y no has visto la película no dejes de verla porque es una de las mejores películas bélicas de la historia con un inconmensurable LEE MARVIN como el sargento. Imprescindibles ambas, película y novela.

PUNTO LIMITE: CERO

VANISHING POINT (Punto limite: cero - 1971) Trata sobre un tipo que tiene que llevar un coche desde Denver a San Francisco en tan solo 15 horas. Kowalski representa al héroe solitario, conduciendo su flamante Dodge Challenger del 70 por las carreteras del suroeste americano y con toda la policía detrás. Le acompaña el sonido de la radio, tras la cual se encuentra Súper Soul que va poniendo discos y tratando de darle indicaciones para ayudarlo.

 Comparte aquel espíritu de Easy Rider, una búsqueda del destino y de la libertad, una huida desesperada a ninguna parte.

 La banda sonora es excelente con Bobby Doyle, Big Mama Thorton, Jerry Reed, y otros muchos. El guión es del escritor cubano CABRERA INFANTE. 

 Si tenéis ocasión echarla un vistazo porque es magnífica, por su temática, por la banda sonora, por esas carreteras llenas de polvo y por ese espíritu de libertad que desprende cada imagen y definitivamente por compartir con Kowalski su fatal destino.

KLUTE

KLUTE es una película de Alan J. Pakula realizada en el año 1971 y sus protagonistas eran JANE FONDA como la prostituta Bree Daniel y DONALD SUTHERLAND como el detective John Klute.

  Klute es contratado para que averigüe que ha sido de un amigo suyo que ha desaparecido. Esto le llevara hasta Bree Daniel prostituta que parece que tenia relación con el amigo desaparecido.

 La intriga no es lo que más nos interesa, lo que nos fascina y nos implica es espiar a Bree. Escuchamos a través de Klute y miramos a través del acosador el mundo intimo y fetichista de Bree y la fascinación que se apodera de Klute es la misma que se apodera de nosotros. No podemos dejar de espiarla, nos convertimos en voyeur porque la cámara se recrea en ella y en sus detalles, como seduce, como se desnuda, como habla, como se viste, como camina.

JANE FONDA creó un personaje fascinante, una mujer compleja, con sus contracciones y sus miedos,  llena de matices. Se llevo el Oscar de ese año de forma merecida porque su personaje de Bree Daniel aun esta en nuestro imaginario.

  Fascinante y compleja película que consigue que te impliques de manera que estas al lado junto a ella, escuchándola y mirándola, dejándote seducir, porque estas dentro no fuera de la película.

YAKUZA de SYDNEY POLLACK

YAKUZA es un thriller indispensable, la dirigió Sydney Pollack en el año 1974, conto con el guion de Paul Schrader y Robert Towne y la protagonizo un ya veterano ROBERT MITCHUM.

  Vaya de antemano que es una obra maestra, con un guion excepcional, una dirección sobria y poderosa y una interpretación por parte de Mitchum soberbia y majestuosa. Película fascinante de principio a fin, donde destacan valores como la amistad, el amor y el honor.

LA COSA de JOHN CARPENTER

LA COSA es una obra maestra y lo digo desde el principio para dejar las cosas claras y además es una si no la mejor película de ciencia ficción que se han realizado en la vida.

 Remake de "El enigma de otro mundo" de Howard Hawks que dirigiera en el año 1951, esta sin ser una gran película era estimable. Pero fue el maestro JOHN CARPENTER el que la elevo a clásico y a un hito dentro del fantástico. Para esta vez le dieron presupuesto y no lo mal gasto, contrato a su alter ego KURT RUSSELL el cual sencillamente estaba perfecto, contrato a los mejore especialistas en FX del momento, por una vez y sin que sirviera de costumbre contrato a un músico con renombre ENNIO MORRICONE. Con todos estos elementos y un material exquisito, John Carpenter se saco de su chistera esta obra inmortal, que se conserva como el primer día, un deleite para los sentidos que te retuerce los nervios, se los come y los escupe.

KURT RUSSELL

KURT RUSSELL es un actor que me gusta, es verdad que no es Marlon Brando, pero ni falta que le hace. Tiene carisma, personalidad y un montón de películas divertidas, es mas tiene alguna obra maestra como LA COSA o 1997 RESCATE EN NUEVA YORK. Fue un niño prodigio que hizo algunas pelis en la factoría de Disney. Y sobre todo fue el alter ego de JONN CARPENTER, con el hizo sus mejores películas, incluso en el año 1979 haciendo de Elvis y doy fe que lo hacía fenomenal. Quentin Tarantino conto con él para hacer DEATH PROOF, y le respondió haciendo su papel de manera memorable. No todos los actores tienen que ser del método, ni tener una filmografía plagada de obras maestras, que Russell las tiene malas, si claro y Brando, la diferencia es que hasta en las malas Russell estaba bien y Brando en las malas daban ganas de matarlo.

 Kurt Russell está en mi imaginario de cine sin lugar a dudas y no de todos puedo decir lo mismo. Mi homenaje a este actor que lleva peleando en esto toda una vida, con aciertos y fracasos, pero esa es su grandeza.

BARBARA STANWYCK

BARABARA STANWYCK fue una de las más grandes actrices de la historia del cine, lo que podíamos llamar una estrella de Hollywood con toda su grandeza. Con una extensísima carrera cinematográfica, hizo papeles de todo tipo desde Femme fatal hasta mujer sufrida y traicionada, no se resistió a ningún genero, los hizo todos y todos de manera magistral, comedias, western, cine negro, aventuras, dramas, musicales. No puedo elegir entre sus muchas películas porque son innumerables las obras maestras en las que dejo su impronta, su personalidad, su carisma, su sonrisa, su seducción, sus lagrimas. Actriz grandiosa

EL DIABLO SOBRE RUEDAS (DUEL)

EL DIABLO SOBRE RUEDAS fue una película que vi cuando era un crio en el cine en una sesión doble, era la segunda película, no recuerdo cual era la primera que pasaron, pero sí recuerdo esta. Hasta entonces habíamos visto como los malos que perseguían a la gente y la amenaza podían ser todo tipos de monstruos, unos salían del mar, otros de la tierra y algunos venían de selvas lejanas, podían ser hombres que se transformaban en hombres lobos, o alguien en un momento dado podía reanimar a un muerto o seres siniestros que deambulaban por la noche con sus afilados colmillos en busca de sangre. Pero nunca en nuestro imaginario podía sospechar que la amenaza pudiera estar en un camión, en algo cotidiano que podías ver en la carretera. Y ese camión daba mucho miedo, echando continuamente humo por sus chimeneas como si tuviera vida propia, su aspecto era fiero y terrible y no sabias quien lo conducía, no importaba era el camión el ser diabólico.

 En aquellos años no importaba quien dirigía las películas, por lo tanto hasta que años después volvió a producirnos terror, esta vez el monstruo estaba en el mar y nunca lo habías visto como una amenaza, era un tiburón y el nombre del director STEVEN SPIELBERG, uno de los directores que más ha alimentado nuestro imaginario y nuestros sueños y al que le debemos que nuestra vida desde entonces haya sido más rica en ilusiones y sueños y alguna pesadilla.

EL DIABLO SOBRE RUEDAS es una película sencilla, con poco presupuesto, dicen que en un principio era para visionarla por TV, pero que debido a su calidad decidieron estrenarla en las salas de cine. Con este filme Spielberg daba comienzo a una de las carreras con mas éxito en toda la historia del cine y para mi esta es una de sus más grandes y mejores películas, porque me parece un derroche de imaginación y de efectos técnicos para conseguir que crear una historia que desborda tensión y suspense. Luego vendrían sus taquillazos, pero esa es otra historia que ya iremos detallando, pero este fue el comienzo y lo hizo de una manera magistral y sublime.